De l'objet à l'intervention concrète

La compréhension de l'art change très lentement. Le caractère de travail de l'art était déjà remis en cause il y a cent ans. Depuis lors les artistes ont essayé de remplir les fonctions qui vont bien au-delà de la production des objets.

La demande avait été soulevée à plusieurs reprises pendant maintenant longtemps : L'art ne devrait plus être vénéré dans des espaces particulièrement indiqués. L'art ne devrait pas former un quasi-monde parallèle. L'art ne devrait pas agir comme si il pourrait exister de lui-même et pour lui-même. L'art devrait traiter la réalité, s'attaquer aux circonstances politiques et établir des propositions pour améliorer la coexistence humaine. Les idées peu conventionnelles, l'esprit innovateur et l'énergie, qui pendant des siècles ont été enveloppés dans les jeux formels de perle en verre, pourraient contribuer ainsi à la solution des problèmes réels.

Maintenant, au début du 21ème siècle, les exigences commencent lentement à entrer en vigueur. La discussion formel-esthétique a suivi son cours. Ses sauts périlleux autoréférentiels innombrables sont devenus inflationnistes, et le culte de la virtuosité a donné place à d'autres qualités. Dans le processus, un examen fondamental des fonctions de l'art a surgi : Qui fait quoi dans l'art, et pourquoi?

L'art peut remplir beaucoup de fonctions. Pour des pages et des pages, les diverses fonctions ont pu être énumérées comme un catalogue de stylistique : L'art peut représenter ses commissaires et producteurs ; ce peut être un définisseur et un gardien d'identité ; il peut affecter des attraits snobs et assouvir la faim bourgeoise pour la connaissance et la possession. L'art peut engraisser le temps libre des masses ennuyées ; il peut servir d'objet de la spéculation financière ; il peut transmettre des sentiments et faire vibrer son cœur. En outre, les nombreuses fonctions sont également emmêlées l’une dans l’autre. L’expressionisme abstrait a servi aux Américains de la guerre froide d'instrument politique de culturalisassions tout aussi qu'il a servi le besoin spirituel d'expression des jeunes peintres qui l'ont créée.

Une des fonctions de l'art a toujours été la transformation des conditions de vie. Depuis l'avènement du modernisme, avec son rejet d'autorité religieusement fondée, l'art a été un domaine particulièrement fertile pour des tabous irrationnels de question et des normes héritées de valeur et pour corriger des déséquilibres sociaux. Cette fonction a été la première fois mise en pratique par les constructivistes russes. Simultanément avec le changement 1917 du régime de la Russie, on a présenté un art qui a pour la première fois cherché à influencer directement la conscience et les conditions de vie des personnes par l'agitation et l'activisme. Ainsi un nouveau chapitre a été ouvert dans l'histoire de l'art.

En Allemagne, le Bauhaus a cultivé ces développements. La Science, l'architecture, la technologie et les arts visuels ont travaillé les uns vers les autres afin de former le plus d'aspects possibles de la vie. Livres, affiches, véhicules, les paysages et l'habillement ont pris de nouvelles formes correspondant à la fonction et à l'idéologie afin d'établir les nouvelles philosophies de la vie avec une certitude qui s’approche des auto-preuves. Chaque renouvellement formel du monde - a ainsi pensé les artistes à ce temps - devrait également provoquer un changement d'attitude correspondant.

Pendant de nombreuses décennies, il semble que la société pourrait effectivement être manipulée par la modification de l'environnement visuel et des habitudes de voir et d'entendre. Ce point de vue a toujours eu ses partisans récemment comme dans les années soixante, et la question de savoir si cette ère de révolte chez les jeunes a été influencé, voire déclenché par la musique rock et pop, ou si au contraire la musique était simplement une partie de la libération du mécontentement longuement accumulé, est une source de matériel pour la sociologie des séminaires jusqu'à ce jour. En regardant en arrière, l'idée de ‘’modifier les relations sociales en modifiant la forme ‘’ paraît un peu naïve. Bien sûr les comportements et les habitudes, la façon de penser et les valeurs standards peuvent être marginalement influencés par des formes. Tout le domaine de la publicité est soutenu par cette thèse. Mais les gens de principes idéologiques, leurs conceptions du monde et des valeurs ne peuvent pas vraiment être modifiée à travers les couleurs, les sons et les formes. L’habit, pourrait-on dire, ne fait pas le moine.
Après la Seconde Guerre mondiale, " l’art socialement engagé " a connu plusieurs points positifs. "Tout d'abord, nous pensons que le monde doit être changé," se situé au début du Manifeste Situationniste de la fin dans les années cinquante. Des proclamations similaires et des demandes de changement dans la politique, de la sexualité, de l'économie et de la culture se trouvent dans de nombreuses initiatives et organisations. De vives discussions avec des gens avec les même opinions, le lettristes et militants ont discuté d’une méthode la plus élémentaire de détruire tous les aspects de la tradition, constamment à l'affût contre leur propre institutionnalisation. Ce qui est arrivé après la destruction a été de moindre importance. Le chemin était l'objectif, et l'objectif a été en conflit avec la haute culture, dont les formes d'expression étaient soupçonnés d'avoir été coopté par la classe économique dirigeante à ses propres fins. "Les artistes qui se retirent dans la réserve de leurs propres domaines de spécialisation sont autant de fonctionnaires avec une société sclérosée à titre de travailleurs qualifiés et greffiers fichier," écrit l’Action Subversive. Ces militants, qui se classifient elles-mêmes comme "para-élites", ont voulu atteindre ce que d'autres n'osés même pas penser. Et pourtant, lorsqu’on la voit d'une certaine distance historique, ils ont laissé un peu plus que des manifestes. Il est resté au niveau de déclarations d’intention de bon augure et les maximes. Toutefois : Les méthodes de ‘construction des situations" ont trouvé successeurs à ce jour.

Simultanément, avec le situationnistes et lettristes, est venu le développement de l'art conceptuel : il n'est plus l'objet, mais plutôt l'idée derrière elle était ce qui compte dans l’art. C’est de l'art du début des précurseurs comme le poète autrichien H. C. Artmann dans les années cinquante, la première phase importante de l'art conceptuel a coïncidé avec la guerre du Vietnam et les assassinats de Martin Luther King et de Malcolm X. C’était le temps de la révolte étudiante, la poursuite de la lutte pour les droits civils et la montée du féminisme. En plus de donner lieu à toutes sortes d'aventures ludique et autoréférentielle "art industrie analyses", les questions générales de valeur des normes et autorité essentiellement conduit à un intérêt marqué à la politique. A partir de la position ‘classique’, le post-conceptualistes ont ainsi développé leurs formes de traiter les questions comme celui de la race, la classe, la nation et l'égalité entre les sexes. Ils sont aussi restés dans le contexte traditionnel de l'art. Dedans ils ont transmis leur cause utilisant les formes classiques d'exposition et de présentation, donc simplement apaisé un art public spécialisé, dont la majorité a partagé leur point de vue de toute façon. Echelonnant avec diligence et photographié des déclarations sur le racisme, le féminisme et l'homosexualité ont toujours atteint le même nombre de personnes, qui ont toutefois apprécié l'occasion de prouver leur exactitude les uns des autres. Encore, cette conception de l'art doit être comprise comme un important précurseur l'activisme politique d’aujourd’hui.

Dans les années soixante-dix, la demande de pertinence sociopolitique dans l'art est enfin mis en action concrète - de diverses façons. Le programme de télévision alternative d’Ulrike Rosenbach était pour émanciper les gens des médias du monopole tsars' ; la vidéo technologie a été utilisé par Richard Krieshe dans la réhabilitation des enfants handicapés (longtemps avant que l’idée de la médecine survint); Barbara Steveni et John Latham, du groupe de placement d’artiste a présenté des suggestions pour améliorer la politique éducative de leur gouvernement. Joseph Beuys a redéfini la position de l'art dans la société, avec le concept du Social en plastique; Hans Haacke a montré comment les processus politiques peuvent être influencés par l'intervention; les affiches agitprop de Klaus Staeck ont élucidé les relations entre les entreprises et le pouvoir; et des groupes comme les travailleurs des Arts Coalition ont déclaré la guerre à l’art conventionnel établi et ses rigides critères d'admission.

Rempli d'une euphorie ne manquant pas une mesure d'arrogance (l’artiste comme le prophète, le chaman, le guérisseur et le guru révolutionnaire), ces artistes - et dans ce cas l’avant-gardiste cercles étaient d'accord - ont voulu apporter des contributions à l'amélioration de la coexistence : dans le domaine de la psychologie et de la sociologie, de méthodes de guérison ou d'incarcération. L'avant-gardiste voulait choisir des êtres vivants locaux pour leur création, afin d'arrêter de travailler pour l'éternité, et s’adresser simplement plus qu’aux classes éduquées de la population.

En fin de compte, cela n’a pas fonctionné sans les anciennes institutions. Les musées, les revues d'art, les galeries et les académies d'art n’avaient aucun problème d’intégrer la multitude forme du soi-disant "anti-art". Même les plus subversifs formes de militantisme et Néo-Dada ont été cooptés dans les collections : Finalement, les objets étaient encore tous ceux qui restaient. Les reliques d'actions, les photos et les croquis sont devenus des objets fétiches pour la vénération et pour la vente. Pour la plupart des gens à cette époque - et cela s'applique encore aujourd'hui – l’art avait beaucoup à voir avec des œuvres. Cela doit y être quelque chose qui peut être vu, touché et emballés. Les autres choses ne peuvent pas être vendues, ne peuvent pas être recueillies et conservées.

Qualités autres que celles qui sont toute de suite perceptibles sensoriel, qui néanmoins sont toujours liées à des objets, a pris de plus en plus d'importance, mais seulement à un rythme lent. Les années soixante ont vraiment montré comment l'art pourrait se développer après l'abandon mimésis, après l'abandon du besoin d'expression, après avoir abandonné les variantes d'abstraction, et après avoir abandonné la question de la forme. Avec Happenings, Fluxus, les Représentations et les Actions, avec des variantes ironiques de prêt à l’emploi et avec l’art conceptuel, un profond doute sur la notion que l'art ne peut être fixé que dans l'objet devint clair. Concept et idée, qui ont été discutés comme l’actuel exploit artistique derrière chaque réalisation matérielle - même la peinture - a gagné du terrain contre une conception de l'art qui ne se manifeste en matériau. L'ensemble du complexe de conditions de production était évidemment ainsi remis en question.

Action Art a également fait une contribution significative à l'évolution qui a conduit à l'activisme. Conçu à l'origine comme satisfaction cathartique de l'individu insatisfait et une libération de l'objet par les obligations de la convention, L’activisme a rapidement changé sa façon de penser et a reconnu la cause de nombreux particuliers et les problèmes psychologiques dans les injustices sociales. Le désir de la cathartique ne pouvait pas être souvent remplie parce que ceux qui été impliqués, ont tôt pris conscience de stupidité de chaque cri primitif, en dépit des profondeurs d'où elle peut émerger, lorsque les conditions sociales ne laissent pas de place pour une amélioration de bien-être subjectif.

Dans les années quatre-vingts, il semblait que tout était fini. Tous les succès et les efforts de l’art sociopolitique engagé ont poussé sur le côté. À plusieurs reprises et avec un succès croissant, ces aspirations ont été confrontés à un art entièrement dépourvue d'objet. La contemplation est venue une fois sur le devant de la scène et avec elle les objets qui étaient à évoquer : l'art sanctuaires. L'inversion n’est pas vraiment venue beaucoup du rang de l'artiste, où il continue d'y avoir un intérêt dans l'utopie. Elle n'est pas venue à la critique. Elle est venue de la scène puissante qui voit l'art comme une marchandise car elle a gagné sa vie de ce genre d'art. C'était l'énorme masse des spéculateurs et des collectionneurs, qui ont vu leurs précieuses toiles en cours de remplacement par des formes d'art qu'ils ne pouvaient pas vendre et ne pouvait percevoir. Ils ont été rejoints par des enseignants conservateurs d'art qui n'ont pas voulu modifier leurs vieilles opinions bien apprises et par toutes les institutions qui aurait aimé à remplir leurs salles d'exposition avec des nouveaux visiteurs. Modifié les conceptions d'art n'étaient rien qu'ils voulaient suivre. Ils ont préféré une centaine d'autres variations répétées de déjà-vu et ils préféraient garder l'emballage et le déballage des marchandises, tout en vantant tous de ce qu'ils valaient. L'Art qui n'avait rien de plus à l'esprit que d'utiliser son potentiel pour améliorer des conditions odieuses n'était pas approprié pour faire du profit. Il ne pouvait pas ravir l’esthétique de l’œil séductrice ou susciter de nobles sentiments.

En Pologne, ces temps étaient différents. Un groupe d’actioniste vêtu d'orange est descendu dans les rues en 1988 : Par le moyen de mégaphones, ils ont proclamé l’homme au pouvoir le général Jaruzelski comme roi. Ce n'était pas le novice anticommunisme, mais plutôt une stratégie affinée que ces artistes ont utilisé pour frapper le régime de l'hypocrisie. Ils ont aussi proclamé une "Journée internationale de l’espion", où ils ont apparu par centaines avec des lunettes sombres et des cols non remonté, arrêtant les passants et la police secrète pour vérifier leurs papiers. À une autre occasion, ils ont chanté pathétique l’hymne à la gloire de l'Armée rouge et ont lu les manifestes socialistes orange du surréalisme. Dans ce manifeste, l'officier de police a été déclaré une œuvre d'art, en tant qu'individu, ou mieux encore déployées en masse à charge contre les militants : les Wilder, meilleure est l'art.

Dans l'ouest, la phase d'autosatisfaction, orientée vers le marché de production artistique n'a pas duré longtemps. Avec les années quatre-vingt-dix est venu un changement de pensée et, en fait, d'un renouvellement de la réflexion sur la responsabilité sociale de l'art. Le postmodernisme a célébré l'autonomie et s’est révélé à être une apparition à laquelle d'innombrables palais et nouveaux musées avait été érigés : Ils ont mis les bénéfices vertigineux des concessionnaires en avant, mais peu après l'inflation et les pertes ont suivie. La réalité politique était à l'extérieur du domaine d'intérêt de cet art. Les effets de la politique économique des conservateurs, la réduction économique sociales, l'immigration croissante en conflits, et une insécurité générale suite à la dissolution de la puissante balance de l’est- ouest sont venus déterminer les facteurs de la production d'art en premier après l'effondrement du marché et de la démystification de l'art. Depuis l’art visuel s'est développé dans deux directions : dans un art qui est défini par les intérêts économiques et avec un penser à bas de gamme, pensant attirer les masses avec des spectacles et des tas de souffler de corne. Et inversement dans un art qui fonctionne - indépendamment des bénéfices et le populisme - de possibilité, qui vise à examiner et à améliorer les conditions de la coexistence. Ce dernier semble un peu altruiste et missionnaire. Trop altruiste pour l'art qui veut juste pendre de liberté et être au-delà du train-train quotidien. Et pourtant de plus en plus d'artistes sont en train de découvrir que la décision n'est pas tellement difficile, en vue de plusieurs fonctions de l'art, leur choix mène au-delà la satisfaction des loisirs, des besoins et vers la coopérative du façonnement la vie dans la société.

Contrairement à la pensée des années soixante-dix, aujourd'hui les militants ne sont plus concernés par le changement du monde dans sa totalité. Il n'est plus une question d’impitoyable mise en œuvre d'une ligne idéologique, comme elle l’était en Joseph Beuys, l'idée de transformer l'ensemble de la société dans un plastique sociale, ou qu'elle l'était dans la pensée de la Russie aux constructivistes, les futurologues et de nombreux autres manifestants, des écrivains du moderne. À la fin du siècle, l’art militant surestime plus ses capacités. Mais il ne prend pas les sous-estimer non plus. Il rend des modestes contributions. Il serait erroné, dans une société dans laquelle chaque discussion de principe de base a été perdu, de s'attendre à ce que quelque chose comme l'art peut apporter des changements décisifs. Les chansons ne sauvent pas les baleines; des affiches "Stop SIDA" n'arrêtent pas la propagation de la maladie; et Klaus Staeck l'agitprop des affiches n’ont guère entravé la spéculation sur le marché du logement. Est-ce que le Guernica de Picasso a apporté quelque chose pour le tourment des résidents de cette ville? Il n'en reste pas moins un monument, un rituel de deuil et l'aveu que la puissance d'effet quoi que ce soit avec l'art soit limité.

Et pourtant, dans la dose appropriée, l'art peut changer plus que de supposer. L'art doit se consacrer aux stratégies concrètes de changement. Souhaitant les patients dans les hôpitaux une récupération rapide avec des décorations artistique sur les murs, des lectures de littérature autrichienne à haute voix aux demandeurs d'asile, ou d'avoir "la mère Courage" apparaître sur scène costumé comme une Albanaise du Kosovo ne sont rien de plus que des simples ablutions pour une conscience coupable. La série peut continuer. Avec "l’art des sans-abris " par exemple. Tania Mourad a pulvérisé les volets de la fenêtre avec les symboles utilisés par les vagabonds : "Ici il y a de la nourriture " et ‘ Une femme hospitalière travaille ici.". Puis elle résultera a donné des croissants gratuitement avant de retourner à sa vie quotidienne. Il y a "la musique rock avec des paroles de pénurie de logements" dans laquelle " le besoin locataire " rime avec " avidité spéculateur ", et il y a un concepteur, l'artiste new-yorkais Krzysztof Wodiczko, qui inventait toujours des véhicules à New York pour les ivrognes et les sans-abris. Des véhicules multi-usages avec un air utopique construisent sur un châssis d’un chariot de supermarché que les vagabonds pourraient pousser autour, avec des espaces de rangement pour les bidons réutilisables et les bouteilles, ont été conçues de sorte que l'ensemble du dispositif pourrait être converti en un lit pour la nuit. L’approche Wodiczko - il recherche des solutions dans le domaine des possibilités existantes, même si elles semblent un peu utopique- est certainement digne de mention. Encore, ses chariots sont uniquement présentés dans les musées. Cela pourrait même permettre de soupçonner qu'il utilise la misère sociale dans le but de créer " un morceau précieux d’exposition ". Il est inimaginable qu'ils ne seraient jamais effectivement d’être employés par leurs destinataires d’origines : même les problèmes les plus banals, comme le stockage, se poserait.

Le renouveau social est une fonction de l'art après l'art de traiter des surfaces. Il est plus logique d'améliorer la structure comptable avant l'amélioration de la surface. Cette grosse chance d’art réside dans sa capacité d'offrir à la communauté quelque chose qui réalise également un effet. Les motifs d’intervention concrète basée dans l'art ne doivent pas être confondus avec un excès de ferveur moraliste. Comme une base potentielle de l'action, l'art au capital politique à sa disposition ne devrait pas être sous-estimé. L'utilisation de ce potentiel de manipuler les circonstances sociales est une pratique d'art tout aussi valables que la manipulation de matériaux traditionnels. Le groupe WochenKlausur prend cette fonction de l'art et ses précurseurs historiques comme son point de départ. WochenKlausur a planifié des tâches précises pour lui-même et des mesures intensives qui sont limitées dans le temps, les tentatives pour trouver des solutions aux problèmes qu'il a reconnue. L'intérêt suscité par les fondements théoriques et pratiques des méthodes de travail ainsi que les résultats concrets des projets en Autriche et à l'étranger ont encouragé WochenKlausur de continuer à travailler dans cette direction.